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美术评价的标准
2016-11-15 09:59:00 来源:中国书画·官网
导读:  洪世清 西湖风景 水彩 56×55厘米 1982  普通大众欣赏美术作品时,大都止于感受阶段,即便偶尔发些议论,姑妄言之,也无关

 
  洪世清 西湖风景 水彩 56×55厘米 1982
 
  普通大众欣赏美术作品时,大都止于感受阶段,即便偶尔发些议论,姑妄言之,也无关宏旨,并不需要什么评价标准。但是,当对作品进行分析和阐释,特别是要做出评价时,就不再是一般的欣赏,而进入了美术批评或称美术评论的范畴。美术评论是一种理性的认知和判断,它需要尽可能地排除个人好恶,比较客观、公正地认识和评价对象。说到评价,毫无疑问,不能没有标准。对任何事物的评价,标准都是必要的前提。评价的结果是依据标准推演出来,虽然这种推导关系或明显或隐蔽,评价者对于所依据的标准或者明确地昭示出来或者没有特别说出,甚至是处于下意识状态。任何一位评论家的头脑里,都有自己既定的评价标准,否则,面对一件作品,他就无从谈起,遑论评价。
 
  美术评价的标准,在不同的历史时期有不同的判断取向。以中国画为例,在唐以前的画史里,一直把追求形似作为绘画的主要性能,如“存形莫善于画”(西晋陆机),“千载寂寥,披图可鉴”(南齐谢赫),“有象因之以立,无形因之以生”(唐朱景玄),“形似”一度成为评价作品的一个重要标准。自宋以降,重视形似的观念改变了,“论画以形似,见与儿童邻”(宋苏轼),认为以形论画是小儿科。对于画的要求是“画写物外形”(苏轼),“传神而已矣”(宋邓椿)。再有,绘画的教化功能历来都受到重视,如“恶以诫世,善以示后”(汉毛延寿),“明劝戒,著升沉”(南齐谢赫),“成教化,助人伦”(唐张彦远)等,在某些特定的历史时期,教化功能被强化,甚至被视为最重要的评价标准。还有,至迟在南北朝时,画家就已经从审美的角度,关注绘画“怡悦性情”(王微),“畅神”(宗炳)的功能了,后来所谓“启之高志,发人之浩气”(明杜琼),“以养性情,且可涤烦襟,破孤闷,释躁心,应静气”(清王昱)与此一脉相承,属于从接受美学的角度,确立绘画的评价标准。此外,还有把作品格调、笔墨等作为评价参照的重要方面。某些美术门类如工艺、建筑或者宗教美术、民间民族美术等都各有自己特定的评价标准。在西方,古希腊哲人主张“艺术模仿论”,一直把逼肖对象作为美术的主要特征亦即评价的标准。文艺复兴时期,美术汲取科学成果,以至认为“绘画的确是一门科学”(达·芬奇)。对于绘画及雕塑的评价,总是关注于作品中对透视学、解剖学、色彩学的应用。19世纪以后,西方现代艺术出现,艺术观念多元庞杂,评价标准不一而足,曾经统治了西方美术两千多年的“模仿论”也宣告退位。
 
  总之,美术史上美术评价的标准不是一成不变的,同一时期评价的取向也不是单一的。每个时期的评价标准主要取决于当时的创作观念和对于美术这一艺术门类的认识,同时,也与其所处的社会背景紧密相关。
 
 
  张大千 仿董源青绿山水图 144×79.2厘米 1944 四川博物馆藏
 
  无论任何时代,不同的评论者头脑里的评价标准都不可能完全相同,甚至会有较大的差异。在一般情况下,无须强求一致。但是,有些时候,比如在评选美术作品时,评选者就需要相互交流,使彼此的评价标准尽可能接近或一致,尽可能基于美术本体,从而使评价比较客观、比较公正。还有的时候,比如像这样的专题笔谈,既不含有用诸裁决作品的目的,也不求一定达到共识,纯属学理上的探讨、交流。寻求当下美术评价的标准,对于当代美术的鉴赏和创作,不无参照和启示的意义,而且,这不啻是对于美术本体和美术创作观念,及其同所处社会关系认识的深化。
 
  美术评价的标准,当然不是凭空杜撰的,也不是为着某种目的的硬性规定。它存在于美术自身,需要从中发掘和揭示。
 
  切入美术的本体,首先追问的是,美术是什么?人类为什么要从事美术活动?美术作为一种艺术活动,是人类把握世界的方式之一,是一种审美的精神活动。美术的中心和主体活动是创作。在创作过程中,创作者把他的审美意识以及他的意志和情感投入物质的媒材,媒材中打上了他个体的烙印,从而成为他的作品。创作主体在创作过程中实现了自己,并得到了满足和愉悦。这便是美术创作的本质。人类之所以区别于一般动物,也因为只有人类才具有这种艺术的把握世界的能力,而同外部自然界建立并保持着非功利性的审美关系。正是在这种意义上,美术创作和美术欣赏成为人类的需要。人类只要生存,就离不开美术活动。
 
  在历史的长河中,美术家永不停歇的创作活动推动了美术的演变和发展。推动的形式不外乎继承和创新。美术家首先要接受前人的艺术遗产,没有继承就不可能进行真正的创作。一个时代的美术家中的佼佼者在创作中必定把新时代的内容和独有的个性注入他的作品,其中便有了前所未有的新的成分,这就是创新。可见,美术的创新对于美术演变和发展是至关重要的。就推动美术演变和发展的意义,我们把“审美的独创性”作为评价美术的一个标准。所谓“独创性”意在排除模仿而强调富有个性的原创,而且,这种原创又限定为是“审美的”而非其他。进一步说,审美的独创性,即作品中表现在某一方面或多或少的“新意”,不能苛求一件作品在所有方面都有所突破。某件美术作品只要在构思上或者在构图上,在景物的造型刻画上或者总体基调的处理上,在色彩表现上或者笔墨功力上……只要有一得之见,有些许创新,便是具有了审美的独创性。
 
  从美术作品生成来看,一方面,包括自然和社会在内的外部世界是作品产生的基础和源泉,另一方面,创作者还要对于来自现实的素材进行艺术加工,投入自己的主观性。这就是唐代张璪所说的“外师造化,中得心源”。古人所谓“行万里路”、“搜尽奇峰打草稿”,都是强调艺术家要深入生活,感受、体验并认识活生生的现实对象,不可闭门造车。艺术家只有准确把握现实对象的精神、实质,作品才不至违背、偏离现实而流于表相。因此,美术家要撷取现实的“真”。在艺术加工方面,同样也要求“真”,艺术家要投入其中,投入真情实感,“诚于中,形于外”,从而作品中才会显示出作者的个性。从作品生成的两个方面来看,都需要出于“真”。通常说的“时代精神”也正是通过上述意义的“真”而被反映出来。
 
 
  太原虞弘墓汉白玉石椁浮雕·局部 1999 太原市南郊王郭村出土,山西博物院藏
 
  从美术作品的生态方式出发,考察美术作品以何种方式存在和延续,便关涉到美术同社会的关系。美术从发生之日起就注定了它对社会赖以生存的性质。这不仅因为它的创造者都是属于社会的成员,而且作品一旦生成,必定要在当时社会条件下被接受,否则作品及其创作便毫无意义。这是马克思讲的“生产是为了消费的生产”的道理。据此,艺术社会学家普遍认为,艺术作品是应社会的需要而产生的。即使退一步说,美术作品生成的终极源头是赖以生存的现实社会,而且作品生成以后,总要在一定的社会条件下传播,在传播亦即被接收过程中,以其功能又对社会发生作用。两千多年前孔子关于诗可以“兴、观、群、怨”的理论,是文艺功能理论的滥觞,至今仍有意义。美术作品的审美和教化的功能是最主要的。接受者借以悦目赏心,抒情遣兴,从中得到审美的享受甚至感奋,亦即孔子所说的“兴”。社会则需要传播健康向上,团结奋进正能量的美术作品,以使发挥积极的作用。孔子所谓“群”就含有交流、统一、和谐、团结的意义。美术作品中也有一些种类如漫画便可以针砭时弊,发挥“怨”的作用。总之,美术作品从创作的立意到社会效果,都应该是有益于人们的身心愉悦和健康,有益于社会的和谐与发展。一句话,美术作品应该是对于“善”的弘扬。否则,便不能被社会认可而流传下去。当然,这种弘扬不是说教,而是有机地寓教于审美之中。把“对于‘善’的弘扬和前述“出于‘真’”的表述整合起来,就是美术作品应该具有“真”和“善”的品质。
 
  通过以上对于美术本体、美术的生成以及美术生态方式的考察,我们揭示出美术评价的两个基本标准:一、具有审美的独创性;二、具有“真”和“善”的品质。在判别某件美术作品的成败和高下时,它们应该作为基本的参照。
 
  在评价美术作品时,这两项标准是并用的,缺一不可。因为它们深层的联系是密不可分的。唯有以审美的独特性所表现出的“真”和“善”才成其为美术作品;也只有从“真”出发并以弘扬“善”为归旨的创作,才有可能在作品中具有审美的独创性。这两条标准是最基本的、最高层面的评价标准,其他标准都为二者所涵盖。在其之下还有不同层面、不同取向即较为具体的评价标准。例如,在对若干以表现技艺或者同一主题的具有某种共同性的作品进行评价时,必定还要附加相应的评价标准,但无论附加多少其他标准,这两项基本的标准都是不可或缺的。
 
  邓福星 中国艺术研究院研究员、博士生导师、中国画学会副会长
 
  (转载自美术观察公众号 2016-11-14 原载《美术观察》2016年第11期),介聂先生在他新出版的文艺理论专著

【 审编:总编: 慷慨  责编:张涵 】

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